Opera'nın Tarihi
Opera iddialı bir sanat biçimidir. Tüm iyi şeyler gibi eğlendirmek için oradadır ama aynı zamanda en uçarı halinde bile son derece ciddidir: keşfetmeyi, insan motivasyonunun kaynaklarını merak etmeyi, tüm yetişkin sanatının nasıl olması gerektiği sorusunu sormayı amaçlar. Ve bunu, birbiriyle çelişiyor gibi görünebilecek müzik, drama, kelimeler, sahneleme, tasarım, hareket ve insan sesinin şimdiye kadarki en sofistike kullanımı gibi faktörlerin bir kombinasyonu aracılığıyla yapmaya çalışır. Birincilik için İşe yaradığında, bunu gerçekten biliyorsunuz. Ama ne görev. Nasıl başladı ve nereye gidiyor?
Opera 400 yılı aşkın bir süredir var. 1580'lerde Camerata olarak bilinen bir grup Floransalı entelektüel, Yunan dramasının çizgisinde bir müzik ve tiyatro karışımı yaratmanın iyi bir fikir olacağını düşündü - Yunan dramasının kulağa ne geldiğine ya da göründüğüne dair hiçbir fikrinin olmaması gibi küçük bir dezavantaja rağmen. Bu, mevcut müzik akımlarına bir tepkiydi: bir yandan çok sesli müziğin - yani çok parçalı, genellikle oldukça sade koro parçalarının - kelimelerin anlamlarını düzgün bir şekilde iletmedeki yetersizliğini düzeltmeye, diğer yandan da basitleştirmeye çalışıyorlardı. Genellikle dört şarkıcı tarafından söylenen ve onların zevklerine göre çok çiçekli hale gelen madrigallerin aşırı süslülüğü.
Camerata üyelerinin ( Galileo'nun babası Vincenzo Galilei'nin de dahil olduğu ) önerdiği şey, doğal konuşmanın ritimlerini yeniden üretecek ve kelimeleri vurgulayacak basit bir eşlikle desteklenen tek bir vokal ( 'monodik' ) dize içeren bir dramaydı: daha sonra kez bu veya buna benzer bir şey, anlatım olarak bilinir hale gelirdi. Etki, basitçe söylenen veya ilan edilen bir oyun olacaktır. Opera tarihi, bu idealin, 18. yüzyıl opera seria'sında ve Bellini ile Donizetti'nin bel canto'sunda ( "güzel şarkı söyleme" ) olduğu gibi, tamamen müzikal ve vokal güzelliğe giderek daha fazla vurgu yaparak kademeli olarak yozlaşmasının tekrar eden bir döngüsüdür. Örneğin Gluck, Wagner ve bir dereceye kadar Musorgsky, Janáček ve 20. yüzyıl operasının çalışmalarında olduğu gibi, saf ilk ilkelerin bir versiyonuna geri dönme girişimi.
Monteverdi Hitleri ve Efsaneleri
Süreç, en eski operalarda zaten iş başındaydı. Claudio Monteverdi'den önce de opera bestecileri vardı, ama onun Orfeo'su ( 1607 ) şimdiye kadar yazılmış en eski eserler arasında ve kesinlikle düzenli opera repertuvarının en eskisi. Yunan kahramanı Orpheus, ölmüş karısı Eurydice'i geri kazanmak için şarkı söylemesi ve liriyle tanrıları büyüleyen bir müzisyen olan ideal bir opera kahramanıdır. Orpheus'un söylediği şey, Camerata'nın önerdiği salt 'yüksek konuşma'dan çok daha fazlasıdır: Monteverdi, dikkati çekmek için müzikal olarak daha ilginç bir şeyin gerekli olduğunu fark etti ve basit söylev, genellikle dans ritimleri ve sofistike enstrümantal eşliği olan şarkılara dönüştü. Yine de opera, amaçlanan sadelik ve doğrudanlık hakkında bize iyi bir fikir veriyor.
Orfeo ile L'incoronazione di Poppea'yı karşılaştırarak operanın Monteverdi'nin yaşadığı dönemde bile nasıl geliştiğini görebilirsiniz. ( 1643 ), Camerata'nın ideallerini ( bu aşamada biraz seyreltilmiş ) operanın en büyük takıntısı olan seksle ( "aşk" dedikleri ) harmanlıyor. Hikaye, İmparator Nero ile sevgilisi, altın avcısı Poppea arasındaki çılgın ve kanlı ilişkiyi anlatıyor, hiç de sorunsuz ilerlemeyen bir aşk hikayesi. Monodik çizgi oradadır, ancak madrigallerle ve aryanın embriyonik formuyla karışmıştır; bu, kısa süre içinde kelimelerin önemi giderek azalan bir vokal gösterisine dönüşecek olan müzikal bir monoloktur. Poppea, Camerata'nın isteyebileceğinden çok daha 'akortlu' ve bağlantılı anlatımlar bir klavye, viyola da gamba, lavta eşliğinde elde edildi. Büyük fark ticariydi: opera artık satıyordu ve yalnızca Venedik'te düzinelerce opera binası vardı. Poppea, yüksek yerlerdeki uygunsuz davranışları baştan çıkarıcı muhteşem müzikle birleştiriyor.
Opera Ulusal ve Ciddileşiyor
17. yüzyılın ikinci yarısında opera, farklı ülkelerde farklı çizgilerde gelişti. İtalya'da bu, resitatif ve aryalar arasında büyüyen bir ayrımdan ( Cavalli'nin eserlerinde görüldüğü gibi ), Fransa'da operanın Rameau ve Lully tarafından sağlandığı XIV. ve İngiltere'de, Henry Purcell'in A Midsummer Night's Dream'e dayanan Peri Kraliçesi'nde olduğu gibi, sözlü bölümleri müzikal aralarla değiştiren geleneksel maske biçiminin bir evrimi . Gerçek bir İngiliz opera geleneğinin temelini oluşturmuş olabilecek küçük Dido ve Aeneas mucizesi ( ilk kez 1680'lerde sahnelendi, kimse ne zaman olduğundan emin değil ), kimsenin haberi olmadan gelip geçmiş gibi görünüyor.
18. yüzyıla şarkıcılar, özellikle de gücü, inanılmaz ses çevikliği ve doğaüstü bir ton saflığı ( prima donna eğilimlerinden bahsetmiyorum bile ) kombinasyonu büyük ölçüde katkıda bulunan kötü şöhretli castrati ( gençliklerinde yüksek seslerini korumak için hadım edilmiş erkek şarkıcılar ) hakim oldu. Opera serisinin başarısı. Büyük ölçüde klasik mitolojiden alınan opere dizileri, herhangi bir etkiye sahip olup olmadıkları tartışmaya açık olsa da, Avrupalı prensler için ahlak oyunlarıydı. Bu kostüm konserlerinde drama açık ara farkla ikinci sırada yer aldı: sahnelemeler büyük ölçüde durağandı ve herkesin gitmesinin tek nedeni, şarkıcıların vokal dinamitlerini duymak ve tiyatro mekanizmasındaki en son gelişmeleri ve daha önemli toplumsal nedenleri yakalamaktı. Opera seria, 'çıkış aryası' gibi ilginç bir kavramı ortaya çıkardı.
Handel Kalp İçin Gider
Handel'in operaları kolayca en iyi opera dizileridir ve bu eleştirilerden büyük ölçüde muaftır: Bestecilerin en teatral olanı, mevcut gelenekler içinde çalışırken sınırları genişletme biçimiyle Barok'u özetledi. Ayrıca Londra'yı dünyanın opera merkezi yapmakta etkili oldu, en iyi İtalyan şarkıcıları şirketine katılmaya teşvik etti ve 1711 ile 1741 arasında İtalyanca'da 40'tan fazla opera yazdı, belki de en iyi bilinenleri Giulio Cesare ( 1724 ) , Rodelinda ( 1725 ) ve Ariodante ( 1735 ). Handel ile ilgili en olağanüstü şeylerden biri, sürükleyici duygusal dramalar yaratmak için büyük ölçüde katı biçimler içinde nasıl çalıştığıdır; karakterlerin sevinçlerini ve ( genellikle ) üzüntülerini uzun uzadıya keşfeden aryalar: Bu çok insani bir sanattır, dünyanın acılarına duyduğu sempatide dipsizdir - sefil ve ihanete uğramış - .
Gluck Kuralları Yeniden Yazıyor
Christoph Willibald von Gluck, operanın ilk büyük reformcusuydu ve sözlerin dramatik üstünlüğünü yeniden ortaya koyabileceği, vokal savurganlığı olmayan, sade bir saf klasisizm tarzına geri döndü. Ünlü manifestosu ( 1766 tarihli Alceste operasının önsözünde yazılmıştır ), 'kısmen şarkıcıların tedbirsiz kibri ve kısmen de bestecilerin aşırı hoşgörüsü nedeniyle İtalyan Operasına getirilen tüm bu suiistimalleri ortadan kaldırma' niyetini belirtiyordu. Gluck'un en iyi bilinen operası başka bir Orfeo'dur : basit bir şekilde anlatılmış ama son derece doğrudan bir hikaye, tekrarlar olmadan, müziğinin yarı saydam netliği ile güzel, akıcı bir dans kullanımının bir karışımı yoluyla amaçlarına ulaşır.
Yapabileceğiniz Her Şey: Mozart
Hiç kimse Gluck'un izinden gitmediyse de, opera seria'ya ilk öldürücü darbeyi vurdu ve Mozart'ın operalarının yazılması için gerekli koşulları oluşturdu. Mozart mevcut tüm geleneklerde operalar besteledi: opera seria ( örneğin La clemenza di Tito , 1791 ), Neapolitan buffa ( The Marriage of Figaro , 1786 ) - oyun yazarı Carlo Goldoni tarafından hayal edilen ve benzerleri tarafından müziğe ayarlanan bir tür komik dram Paisiello ve Cimarosa – ve Singspiel ( Sihirli Flüt, 1791 ), uzun soluklu ve genellikle kötü yazılmış konuşma diyalogları olan ( bugünlerde performans için sıklıkla yeniden yazılan ) yeni ortaya çıkan Alman operet biçimi. Mozart'ın devrimi, müziğin kendisini drama ve karakterin ana itici gücü, kelimelerden ayrılmaz hale getirmesiydi. En büyük eseri Don Giovanni de dahil olmak üzere en iyi librettolarına ( operalarının sözleri ) sahip olması, bu konuda ona büyük ölçüde yardımcı oldu. İşini yapmak için müzik.
Mozart'tan Sonra: Kurslar İçin Atlar
Opera yeniden parçalanmaya başladı. Alman Singspiel, Beethoven ( Fidelio , 1805 ) ve Weber ( Der Freischütz , 1821 ) aracılığıyla erken Wagner'e ( ve aynı şekilde diğer Avrupa ülkelerinin romantik operalarına, özellikle de Bedřich Smetana gibilerinin çevrildiği Bohemya'ya ) gelişti ( ve ciddi fikirli hale geldi ) bu temelde komik form, The Bartered Bride , 1866 gibi rustik boğuşmalara dönüşüyor ); Fransızlar, Gioachino Rossini'nin son operası William Tell'de olduğu gibi, gösterinin ve devasa dekorların esas olduğu bir form olan 'Grand Opera' ile başka bir yöne gitti ( 1829 ). Ayrıca, akşam yemeğinden sonra dansçılara göz gezdirmek ve gösteri sonrası görevlerini planlamak için Paris Opéra'ya akın eden Jokey Kulübü'nün genç kanlarını tatmin etmek için II. Perde sırasında bir bale dahil etmek zorunlu hale geldi. Opera buffa, bel canto olarak bilinen stili icat eden Rossini'nin ( Seville Berberi, 1816 ) eline geçmişti - oldukça esnek, titizlikle eğitilmiş bir vokal tekniği, uzun, akıcı bir şekilde söylenen vokal dizelerinin ustalığını pek çok müzikalle ve akrobasi ile birleştiriyor . - ve ayrıca İtalyan operasının gelecek nesil ve daha fazlası için bağlı kalacağı resmi yapıların temellerini attı. Bu genellikle bir aryanın genel jimnastik final bölümünden sonra "cabaletta stili" olarak bilinir ve uzun süreler boyunca heyecan yaratmanın esnek bir yoluydu.
Verdi ve Wagner: Kan, Aşk ve Ejderhalar
Bel canto stilinin en büyük savunucuları, Rossini'nin halefleri, hem büyüleyici, ahenkli hem de ağlatan komedi L'elisir d'amore'un ( 1832 ) ve gotik trajedi Lucia di Lammermoor'un ( 1835 ) bestecisi Gaetano Donizetti, Vincenzo Bellini ( Norma , 1831 ) ve Giuseppe Verdi, Verdi'nin Il trovatore , Don Carlos ve La forza del destino'nun kan banyosuyla doruğa ulaşacak - komik ve trajik - romantik bir opera dizisi geliştirdiler . Verdi'nin erken dönem çalışmalarının çoğu bel canto'nun kaslı bir versiyonuyla yazılmıştı, ancak La traviata ( 1853 ) ve Aida gibi eserler üreterek büyük incelikli bir besteci haline geldi. ( 1871 ), romantik şevk, trajedi ve sosyal yorumu, muazzam ifade ve dokunaklı melodiler sağlama yeteneğiyle birleştiriyor. Hayatının sonunda, bu noktaya kadar operaları oluşturan eski bireysel "sayıları" ortadan kaldırmıştı ve Falstaff ( 1893 ) zamanında, neredeyse sürekli müzikten oluşan operalar yazıyordu, arya ve anlatım arasındaki ayrım terimlerin anlamlarını yitirdiği bir noktaya kadar ortadan kalktı.. Almanya'da Richard Wagner aynı şeyi çok farklı bir şekilde yapıyordu. Daha sonraki çalışmalarında Yüzük ( 1862 – 76 ), Tristan ve Isolde ( 1859 ) ve Parsifal ( 1878 ), Gesamtkunstwerke adını verdiği, kelimelerin, müziğin, dramanın ve sahnelemenin tamamen yeni bir sanat biçiminde kusursuz bir şekilde birleştiği birleşik sanat eserlerini bestelemeye çalıştı: aslında yine eski Yunan ideali - artı ejderhalar.
Bunun temeli, Wagner'in leitmotive sistemidir, kelimenin tam anlamıyla 'öncü motifler': her karakterin, ruh halinin, eylemin ve şeyin kendi müzikal sloganı vardır. Wagner'in taklitçilerinde bu, rahatsız edici derecede papağan benzeri bir alışkanlık olabilir, ancak adamın orkestra ile daha önce kimsenin hayal bile edemediği şeyleri yapma becerisiyle birleşen olağanüstü mimari hayal gücü, muazzam karmaşıklıkta ve baş döndürücü etkide çok katmanlı etkiler yarattı. Wagner'de melodi eksikliğiyle ilgili şikayetler duymak alışılmadık bir durum değil, ancak bu, asıl noktayı kaçırıyor ( ve aynı zamanda doğru değil ). Yalnızca melodi yoluyla ifade etmek onun işi değildi: her şey katkıda bulunur. İtalyan operasının saçmalıklarıyla ilişkilendirilmek istemeyen Wagner, yazdığı şeyin operalar olduğunu inkar etti: Parsifal bir Bühnenweihfestspiel ya da 'sahne - kutsama - festival - oyunu' idi.
Aşk ve Ölümün Şarkısı: Carmen
Bunu genellikle bir dizi hit şarkı olarak düşünebiliriz, ancak Georges Bizet'nin Carmen'i ( 1875 ), ardından gelenler üzerinde büyük etkisi olan bir opera devrimiydi. Paris'teki Opéra Comique için yazılan - orta sınıflar için zorlu ışık işlerinde uzmanlaşmış bir yer - bu kanlı eser ilk kez çağdaş ( çingeneler, askerler, katiller ) sahneye ilk kez çıkmış olsa da sahneye koyuyor egzotik bir İspanyol ortamıyla ve seçkin seyirciler arasında bir kargaşa yarattı. En büyük etkisi, Puccini ve sonrasında gelişen sözde İtalyan verismo'nun ( gerçekçilik ) öncüsü olacaktı - genellikle ölümle daha yakından ilgilenen hayattan kesitli opera okulu.
Puccini: Seni Ağlatabilirim
Büyük popülistlerden biri olan Giacomo Puccini, La bohème ( 1896 ), Tosca ( 1900 ) ve Madama Butterfly ( 1904 ) gibi yapıtlarında son derece etkili müzikle göz yaşartıcı dramayı birleştirerek, çoğu insanın muhtemelen hala operada son nokta olarak gördüğü şeyi yarattı. . bohème herkesin gizli favori operası olarak tanımlandı ve kısalığı, akıcılığı, genel beğenisi ve tatmin edici derecede hüzünlü sonuyla kesinlikle tüm temelleri kapsıyor. İzleyicilerinin duygularını alaycı bir şekilde manipüle eden biri diyebileceğiniz müthiş bir profesyoneldi. Ancak seyirci her zaman manipüle edilmeye isteklidir ve Puccini, büyük ezgilerinin ve yıldız araçlarının genel razzmatazz'ında gözden kaçabilen partisyonlarının karmaşık inceliği için her zaman yeterince takdir edilmemektedir.
Puccini'nin takipçileri, gerçekçilik kılığına giren her zamankinden daha korkunç bir melodram dizisi geliştirdiler; bunlardan en bilinenleri Ruggero Leoncavallo'nun Pagliacci ( 1892 ) ve Pietro Mascagni'nin Cavalleria rustikana'sıdır ( 1890 ), genellikle birlikte oynanan ve kaba olanı betimleyen canlı bir tek oyunculu çift, güney İtalyan köylülerinin tutkulu yaşamları ve ölümleri.
Kendi İşini Yapmak: 20. Yüzyıl
Wagner müziği görünürde bir çöküşün eşiğine getirmişti ve majör ve minör ruh halleri arasındaki gerilime dayanan ve önceki 500 yılın müziğini barındıracak kadar esnek olan diyatonik sistem çöküşün eşiğinde görünüyordu. Claude Debussy ve Alban Berg, sınırlarının ötesinde deneyler yaptılar, ancak opera esasen muhafazakar bir mecradır, bu nedenle Pelléas ve Mélisande ( 1902 ) ve Wozzeck ( 1925 ) birçok yönden repertuardaki kulağa en 'modern gelen' eserlerdir. 20. yüzyıl operası, okullar veya tarzlardan çok bestecilerin hikayesidir. Richard Strauss ( Der Rosenkavalier, 1911 ) şaşırtıcı romantizmde Wagner'i bile geride bıraktı. Yüzyılın diğer tartışılmaz devleri Leoš Janáček ve Benjamin Britten, tamamen orijinal müzikal üsluplarla büyük güce sahip psikodramalar yazdılar: Özellikle Britten'in Peter Grimes'ı ( 1945 ), oldukça uzlaşmaz bir 20. yüzyılda popüler bir opera yazmanın hala mümkün olduğunu gösterdi. George Gershwin ve Leonard Bernstein , Porgy ve Bess ( 1935 ) ve Candide ( 1956 ) gibi eserlerde Amerikan müziğini hesaba kattılar . Stravinsky ( The Rake's Progress , 1951'de ) ve Poulenc ( Carmelites'in Diyalogları, 1956 ), Mozart ve Haydn'ın formlarını ve stillerini 20. yüzyıl prizmasından yankılayarak - farklı amaç ve sonuçlarla - neo-klasik köklere geri döndü. Modern zamanlara , bir tür hipnotik, tekrar eden, genellikle elektronik müzikte, ara sıra büyük güzellik ve güçte uzmanlaşan 'minimalistler' - Philip Glass, John Adams ( Çin'de Nixon , 1987 ) - hakim olmuştur . İngiliz Harrison Birtwistle ( The Minotaur , 2008 ) modernizmin en tavizsiz türünün meşalesini taşıyor: tiz, şiddetli ve akortsuz, bu müziği takdir etmesi zor olabilir, ama şüphesiz inandırıcı bir dil ve Birtwistle, bedelini ödeyen gerçek bir besteci.
Silindir Şapkamı Takmak: Müzikaller
20. yüzyılda oldukça önemli bir şey daha oldu: müzikalin gelişimi. Kökenleri, diyalogların konuşulduğu Alman Singspiel'e aşılanmış Paisiello ve ortaklarının Napoliten 18. yüzyıl buffa eserlerine kadar izlenebilir. 19. yüzyıl çizgi roman operası ve opereti - Fransa'da Daniel Auber ve Jacques Offenbach, Avusturya'da Johann Strauss ( Die Fledermaus , 1874 ), İngiltere'de Gilbert ve Sullivan - bunu sosyal iddialar olmadan ve kitle pazarını hedefleyen son derece eğlenceli bir biçime dönüştürdü. 20. yüzyılda, pek çok bestecinin Avrupa'dan sürüldüğünde Amerika Birleşik Devletleri'nde yeni bir yuva kurmasının da yardımıyla, müzikali zevkle kucaklayan Amerika oldu. Jerome Kern ( Show Boat , 1927 ), Cole Porter ( Öp beni, Kate, 1948 ), Rodgers ve Hammerstein ( Carousel , 1949 ), Kurt Weill ( One Touch of Venus , 1943 ), Stephen Sondheim ( Sweeney Todd , 1979 ), Leonard Bernstein ( West Side Story , 1957 ) müzikalin yıldızlarıydı ve sonunda Avrupa, Andrew Lloyd - Webber'in Jesus Christ Superstar ( 1970 ) ve Claude - Michel Schönberg'in Les misérables ( 1980 ) gibi yapıtlarıyla büyük bir etki yaratmak için çoğunluğa atladı .
Bir Sonraki Lütfen
Wagner'den sonra üslupların çılgınca çeşitlenmesi, aslında müzikal tiyatro üzerinde son derece verimli bir etki yarattı. Harrison Birtwistle'ın The Minotaur adlı eseri, "akademik" müziğin atonalitenin dış vahşi doğasını keşfetmesine rağmen, yine de sürükleyici bir eğlence sağlayabildiğini gösterdi; Leonard Bernstein, popülist tarzlarla ciddi müzik tutkusunu birleştirmenin mümkün olduğunu kanıtladı ve İngiliz Jonathan Dove ( Flight , 1998, Pinocchio , 2007 ) gibi besteciler, hatırı sayılır bir başarıyla benzer bir yolu açmaya devam ediyor.
Dünya çapında icra edilen eserlerin büyük çoğunluğunun ( müzikalleri saymazsak, çünkü opera dünyası onların arasına girmesine izin verilip verilmeyeceğinden asla tam olarak emin değildir ) 1781 ( Mozart'ın Idomeneo'su ) ile 1926 ( Puccini'nin Turandot'u ) arasında bestelendiği doğrudur . . Ama bu neden sorun olsun ki? İnsanlar hâlâ Elgin Mermerleri'ne ve Mona Lisa'ya bakıyor, hâlâ Shakespeare'in oyunlarını izliyor, hâlâ Austen ve Conrad'ı okuyor. Operalar performansta sürekli olarak yeniden keşfedilir: her orkestra şefi, her şarkıcı, her yönetmen kendini eseri mümkün olduğu kadar taze hale getirmeye adamıştır ve performans ve tiyatro stilleri zamanla değiştikçe, içeriden bildiğimizi sandığımız parçalar hakkında bile çok şey açığa dışarı çıkarılabilir.
Operaların kabul görmesi uzun zaman alıyor: 20 yıl önce düzenli repertuar Britten, Janáček veya Poulenc'in eserlerini içermiyordu; ne de Handel'den Giulio Cesare'nin ötesinde hiçbir şey . Bir nesil içinde, Mark - Antony Turnage, Gian Carlo Menotti, Peter Maxwell Davies, Harrison Birtwistle, Leonard Bernstein, John Adams, Sergei Prokofiev ve Michael Tippett'in operaları muhtemelen şu anda Britten'inkiler kadar sık icra edilecek - ve Vivaldi, Lully ve Rameau, Handel kadar sıradan olacak. Geçmişten kazılmayı bekleyen çok büyük bir hazine var: Şimdiye kadar bestelenmiş onbinlerce operadan yalnızca birkaç yüz tanesi sahneleniyor.
Başlangıcından bu yana İskoç Operası, aralarında Thea Musgrave'in Mary Queen of Scots ( 1978 ) ve James MacMillan'ın Inés de Castro'sunun ( 1996 ) da bulunduğu yeni operalar sipariş etti ve sundu. 2008'de Şirket, İskoçya'nın yaratıcı endüstrilerinde çalışan bestecileri ve yazarları sanat formunu 21. yüzyıl izleyicileri için yeni ve heyecan verici şekillerde keşfetmek ve geliştirmek için bir araya getiren Five:15 Operas Made in Scotland adlı yeni bir girişim başlattı. Bu, 2016'da besteci Stuart Macrae ve romancı Louise Welsh arasında tam uzunlukta bir işbirliği ile sonuçlandı - The Devil Inside.
Bu yüzden opera iki yöne bakar: mümkün olan her türlü müzikli tiyatronun denendiği zengin bir geçmişe ve her şeyi anlamlandırmaya ve en ilginç, eğlenceli ve çaba gerektiren olasılıkları keşfetmeye devam etmeye çalışan bir geleceğe sanatsal formlara.
